Anmerkung der Redaktion:
Wir dokumentieren für Sie eine weitere Passage aus dem Handbuch des bedrohten Regisseurs, das bei einer Razzia im Theatermilieu Berlins entdeckt worden ist (s. Teil I).

Wenn du auf der Bühne schön was wegficken und -masturbieren lässt, hast du immer einen kleinen Aufreger. Du erwischt die Leute an ihrem natürlichen Schamgefühl. Darauf ist beim Publikum aus guten Gründen stets Verlass. Mit Pornographie hast du ein Heimspiel gegen eine ersatzgeschwächte Gastmannschaft.
Achtung! Es gibt zwei Motive, Sex in seinen Spielarten auszustellen: a) die Unreife und b) die Reife. Pubertäre Charaktere bedienen sich dieser Provokation, weil sie ein billiges Mittel suchen, das ihnen ohne Risiko Aufmerksamkeit bringt. Jeder ahnt, dass du die Provokationspunkte nur wegen der niedrigen Schamschwelle einfährst, nicht aber aufgrund eigener Leistung.
Die reife pornographische Aktion dagegen setzt sich souverän über den Pubertätsvorwurf hinweg: mir doch egal, ob das pubertär ist oder nicht; ich bin gesund, ich brauche das Elementare. Merke: es geht nicht um Sinn, es geht um Charakter.

Inszenierungstipp: Um deutlich zu machen, dass du Charakter hast, lädst du zur Premiere einer Fick- und Onanieinszenierung deine Mutter und deinen Vater ein und setzt dich zwischen sie in die erste Reihe. Während der Pause lässt du die Zuschauer an dir vorbeidefilieren. Die Regieassistentin dokumentiert die Aussagen mit einer Videokamera. Nach der Vorstellung wird der kleine Film abgespielt, ihr bleibt in der ersten Reihe sitzen.

Nieder mit dem Patriarchat!
Männerrituale zwischen Blutrausch und Fankurve

Man hatte ja einiges gehört vom Ekeltheater des Jürgen Gosch, vom skandalösen, barbarischen Blutrausch, von Kot- und Urinschweinereien, von massenhaft davonlaufenden Zuschauern und begeisterten Kritikern. Immerhin war die Düsseldorfer Inszenierung nicht nur zum Berliner Theatertreffen eingeladen, sondern auch zu den Wiener Festwochen, dem Holland Festival und vielen anderen mehr. Und nun wurde Goschs „Macbeth“ bereits zum wiederholten Mal am Münchner Residenztheater gezeigt. Ja, auch hier verließen einige Zuschauer den Theatersaal, aber die früh aufgegebenen Plätze wurden sogleich eingenommen von den Glücklichen unter den zahlreichen Wartenden, die keine reguläre Karte für den Abend ergattern konnten.

Die – auffälligerweise kaum beachtete - Überraschung in Goschs „Macbeth“ ist seine Interpretation des Schlusses der Tragödie. Gosch setzt dem Patriarchat ein Ende. Die Männerherrschaft bringt sich selbst zu Fall, in einem letzten Blutrausch, einem Gemetzel, einem homosozialen, nicht enden wollenden Hassliebeskampf fallen beide, Macbeth und Macduff. Kein Überlebender, kein neuer König. Nur: der König ist tot! Ende der Durchsage.

(c) Foto: Sonja Rothweiler, Düsseldorfer Schauspielhaus

Katharina Thalbach hat in ihrer feministischen Shakespeare-Interpretation am Berliner Schillertheater 1987 noch mit einem Brecht-Wort geendet, als sie sich in der Schlussszene der Krönung des neuen Königs verweigerte: „Wir brauchen keine neuen Herren, sondern keine!“ Gosch geht 2006 einen Schritt weiter. Die Besetzung ist klug gewählt, Ernst Stötzner spielt sowohl den alten König Duncan – dessen Herrschaftsanspruch sich im Sprachgestus dröhnender Deklamation ausdrückt - wie auch den „aufrechten“ Macduff, der zwar seine Familie Macbeths mörderischer Rache überlässt, während er sich selbst nach England in Sicherheit bringt, aber eben auch den Usurpator Macbeth tötet, um – im Originaltext - die Krone an den legitimen Nachfolger zu übergeben. Gosch verweigert diese Instandsetzung patriarchaler Herrschaftsmacht unter dem Deckmantel vermeintlicher Legitimität. Es wäre auch eine erschreckende Vorstellung gewesen, die Macht in den Händen von Duncans Sohn Malcolm zu wissen, denn Duncans Söhne Malcolm (Thomas Wittmann) und Donalbain (Horst Mendroch) werden von Gosch als tumbe, wollmützentragende Toren, eine lachhafte Mischung aus Tweedledum und Tweedledee und einer Karikatur von Gerhard Haderer gezeigt.

Die Düsseldorfer Macbeth-Inszenierung ist radikal, roh, brutal aber durchaus auch klassisch zu nennen, da sie treu ergeben den Shakespeare-Konventionen folgt. Ein siebenköpfiges Männerensemble spielt die mehr als 20 Rollen; Frauen spielen nicht mit, die Frauenrollen werden von den Männern dargestellt. Grandios macht dies beispielsweise Devid Striesow als kettenrauchende, ständig angenervte Lady Macbeth, deren affektiertes Genöle schon wieder die Persiflage einer Drag Queen ist. Das sind keine Frauen, die da agieren, das wird mit jedem Blick und jeder Geste, jedem Zurückwerfen des falschen Haars deutlich: das ist die Konstruktion einer als gefährlich wahrgenommenen Weiblichkeit aus dem Blick eines machtfixierten Patriarchats, das seine je andere, verdrängte Seite, sei es grenzenloser Ehrgeiz, der über Leichen geht, seien es Gewissensbisse, die zur Selbsttötung führen, auf den Körper der Frau projiziert.

Körperlichkeit ist ein anderes Stichwort der Inszenierung: die Darsteller sind überwiegend nackt, nackte Männerkörper, die sich mit Blut und Kot besudeln, dann wieder rein und – kann man es sagen? – jungfräulich erscheinen, nur um sich sofort wieder einzusauen. Das geschieht mal brutal, mal spielerisch, mal durchaus lustvoll. Lust an der Provokation zeigt sich, wenn sich die drei Hexen gegenseitig mit ihrem Kot einschmieren, oder gar genüsslich davon kosten. Aber – das sagen diese Gesten auch: schau, ist doch nur Theater!! Das Blut kommt gut geschüttelt aus der Flasche Theaterblut, der vermeintliche Kot ist leckere Mousse au Chocolat. Ist doch nur Theater sagen auch die Kampfszenen, wenn sich die Männer mit Gummimesser attackieren und großzügig mit dem Theaterblut herumspritzen oder sich die Flasche gleich ganz über dem Schädel entleeren. Aber für den (weiblichen?) Zuschauer wird deutlich, wie fragil die Grenze zwischen Spiel und Ernst ist. Das harmonische Summen eines Männerchors mutiert allmählich in das bedrohlich anmutende Gegröle besoffener Fußballfans, die Körperbilder auf der Bühne erinnern an Bilder der Gewalt und Erniedrigung wie sie uns aus Abu Ghraib oder Guantanamo täglich mit den Nachrichten nach Hause kommen.

(c) Foto: Sonja Rothweiler, Düsseldorfer Schauspielhaus

Durchaus im Shakespeareschen Sinne ist das krasse Nebeneinanderstellen brutaler, derber und komischer Szenen: Horst Mendroch brilliert dabei sowohl in der Pförtnerszene wie auch als Sohn von Macduff. Tragischkomischer Clown in Goschs Inszenierung ist jedoch Devid Striesows Lady Macbeth, die in manchen Szenen direkt aus einem Loriot-Sketch entstiegen sein könnte.

Jürgen Goschs „Macbeth“ ist Futter für jedes Gender-Seminar, seine sieben Darsteller verkörpern ein wahres Panoptikum an Männlichkeiten, quer durch soziale Schichten und Generationen. Männlichkeit zeigt sich dabei durchaus in der totalen Verwüstung und Zerstörung des Bühnenraums, der schon nach wenigen Minuten ein glitschiges Chaos aus Blut, Kot, Wasser und Mehl ist, im Tische zertrümmern oder durch die Luft schleudern; die Hexen sind Wiedergänger von Hermann Nitschs Orgien-Mysterien Theater, die Inszenierung bedient oft gesehene Klischees (Männer im Pissoir), aber verharrt auch in stillen Momenten, die fast schmerzhaft ausgekostet werden.

Macbeth (Thomas Dannemann) inmitten des Chaos
(c) Foto: Sonja Rothweiler, Düsseldorfer Schauspielhaus

Die Männer sind geschwätzige, proletarische Hausmeister-Pförtner, bauernschlaue Kleinkriminelle, machtbesessene Managertypen, hemdsärmlige Macher, verspielte Jungs, alkoholisierte Hooligans. Das Ensemble zeigt diese Männer wie unter einem Brennglas, mit sympathischer Selbstironie, die die Figuren jedoch nie desavouiert. Die vielleicht schönste und poetischste Szene des Abends verweist jedoch auf ein anderes Männerbild: Sieben nackte Männer stehen im Wald, sind der Wald, halten einen großen, buschigen Laubzweig, zwitschern und tirilieren, imitieren die gesamte Vogelschar inklusive klopfendem Specht. Da klingt der „Eisenhans“ durch, die männliche Selbsterfahrungsgruppe, die Rückkehr und Rückbesinnung auf die männliche Identität, wie sie ähnlich vielschichtig in David Finchers „Fight Club“ durchexerziert wurde. Das Patriarchat ist tot, verkündet dieser „Macbeth“. Und es ist Zeit für die Emanzipation des Mannes. Schön, dass es endlich soweit ist.

“Macbeth” im Düsseldorfer Schauspielhaus

Anmerkung der Redaktion:
Wir dokumentieren für Sie eine weitere Passage aus dem Handbuch des bedrohten Regisseurs, das bei einer Razzia im Theatermilieu Berlins entdeckt worden ist (s. Teil I).

Kreativ sein, heißt anders sein. Du gehst auf dem Bürgersteig nicht zwischen den anderen Passanten hindurch, sondern du rempelst sie an. Das mögen sie nicht; was nicht schlimm ist, denn du musst sie auch nicht mögen. Sie werden aufschrecken und dich in Erinnerung behalten. Darauf kommt es an.

Provokationen sind deine Versicherung gegen Arbeitslosigkeit. Du musst provozieren, aber du darfst es nicht treuherzig wollen. Inszeniere deine Missachtungen beiläufig.

Nazis zu provozieren, lohnt sich nicht, sie sind tot. Neonazis zu veralbern, schlägt keine Wellen, sondern gehört zum guten Ton. Für Vergleiche und Anspielungen sind Nazis aber nach wie vor brauchbar. Auch Schleef ist tot, aber die Ledermäntel hängen noch in der Requisite. Staub sie einfach ab, zieh sie drei, vier Männern über. Dazu Reitstiefel. Ein paar Leute regen sich immer auf. Achtung: Naziauftritte sind zwar schnell zur Hand, aber du kannst genau so schnell in den Verdacht geraten, dass dir sonst nichts einfällt.

Versuch verstärkt, Frauen zu verletzen. Sie hatten ihren Höhenflug in den letzten Jahrezehnten, nun ist die Schonzeit vorbei. Du kannst wieder auf Normal zurückfahren und sie wie jede andere Gruppe auch verhöhnen. Verlier keine Zeit, sei schneller als deine Kollegen und sichere dir den Feuilletonpreis für die erste Dreckschleuder.

Männer speziell zu beleidigen, bringt gar nichts. Du weißt, dass sie zu allem fähig sind, und sie selbst wissen es am besten. Wenn du ihnen ein bisschen weh tun willst, reite auf Impotenz und Sublimierungsgehabe herum. Das ist nicht wirklich neu, bereitet ihnen aber wenigstens im ersten Moment eine Schrecksekunde.

Inszenierungstipp: Schick deine Dramaturgin in die Stadtbibliothek und lass sie tausendfach die ersten Artikel des Grundgesetzes kopieren, die Grundrechte. Zerreisst die Blätter auf der Bühne und macht Papierkügelchen daraus. Die tränkt ihr in Spiritus und schießt sie brennend mit Blasrohren von allen Seiten auf die Zuschauer. Dazu spiel das Lachen deiner Dramaturgin ein, das du aufgenommen hast, als sie von deiner Idee hörte. Lass laut die Freiheit loben. Merke: Nur Kunst ist sinnlich, alles andere ist abstrakt.

Schweben gegen die Schwerkraft

Wenn man etwas ganz fest will und wünscht, dann muss es einfach passieren. Davon ist Baumeister Solness überzeugt. So ist er auch zu einem erfolgreichen, saturierten Architekten geworden. Dass diese Wunschkraft in der Jugend stärker ist als im reifen Alter, ahnt er und so beginnt er sich vor den jungen Leuten zu fürchten, die ihn aus dem Sattel heben könnten. Doch als die Jugend in Gestalt der Hilde Wangel dann tatsächlich bei ihm anklopft, empfängt er sie sehr herzlich. Sie kommt zu ihm, um von ihm das Einlösen eines Versprechens zu fordern, das er ihr als Kind vor Jahren im Überschwang gegeben hatte: sie zur Prinzessin zu machen und ihr ein Königreich zu schenken.

Auf dieser etwas widersprüchlichen Situation baut Ibsen sein Stück auf, eines, in dem bereits die Motive des bürgerlichen Lebens angesprochen sind, die seitdem immer wieder auf die Bühne gebracht werden: die Lebenslüge, die verschüttete Phantasie, die Verbitterung, die Angst vor den Anderen, der Widerstreit von Funktionieren und Lebenslust, von Pflicht und Begeisterung, reifer Berechnung und jugendlicher Kraft. Der Inszenierung von Tina Lanik gelingt es, sie zu zeigen, ohne sie zu karikieren. Sie stellt sie nebeneinander, ohne eines zu bevorzugen.

Diese Offenheit ist die Stärke des Abends. Sie ermöglicht das Changieren des Stücks, ein Schweben zwischen Vorstellung und Realität, Wunsch und Wirklichkeit. Es ist die Figur der Hilde Wangel (Marina Galic), die dieses Wunder schafft. Sie ist ein Luftballon, bunt, gespannt, mit dem Zug zum vergessen machenden Fliegen. Aber sie bleibt allein. Sie möchte auch den Baumeister (Lambert Hamel) zum Fliegen bringen, aber der bleibt erdenschwer am Boden. Er hat nicht mehr die Kraft und die Bedingungslosigkeit der Jugend, er spielt noch ein bisschen mit (einige Szenen von poetischer Kraft entstehen auf diese Weise), aber er kann nicht mehr wirklich aus seiner Haut.

Das Versprechen, das er ihr einst gegeben hat, erweist sich als ein Teufelspakt. Für den beruflichen Erfolg hat er seine Seele verkauft, zumindest deren phantasievollen, überbordenden Teil. Nun verführt sie ihn dazu, seine Kreativität und Phantasie wiederzubeleben, und er meint wieder eine Kraft in sich zu spüren, die er tatsächlich nicht mehr hat. So verliert er letztlich seine Seele - und sein Leben - an Hilde, weil er sich der Jugend, vor der er sich gefürchtet hat, nicht konsequent genug entzieht.

Was schon im Stück widersprüchlich angelegt ist, bleibt auch in der Inszenierung blass: die Angst vor der Jugend, von der der Baumeister häufig spricht, ist ein dünner Topos. Die Motivationen der Figuren sind insgesamt schwach ausgeprägt. Sie leben mehr aus der behaupteten Vergangenheit als aus der sichtbaren Gegenwart. Das gilt insbesondere für die Frau des Baumeisters, Aline (Cornelia Froboess). Sie wird zunächst als Ehefrau gezeigt, die freundlich-souverän den Flirts ihres Mannes begegnet, später aber als eine längst gebrochene Frau, die nur von ihrem Pflichtgefühl zusammengehalten wird.

Die angesprochene Offenheit der Inszenierung kann daher wohl stellenweise auch als Unentschiedenheit der Regie gedeutet werden: der Mut zum Witz verlässt die Regisseurin z.B. mit dem Abgang von Kaja (Beatrix Doderer), der Assistentin des Baumeisters; Figuren, über die gesprochen wird, stehen häufig stumm und unmotiviert im Raum. Auch das Bühnenbild wirkt durch die Zweiteilung in funktionales Büro und wuchernden Erinnerungsgarten eher unentschlossen. Insofern bietet die Inszenierung eine Bebilderung des großen Lehrstücks, keine Parteinahme. Der Applaus ebenso: freundlich, aber nicht euphorisch.
www.bayerischesstaatsschauspiel.de